Auteur/autrice : jens

Les paroles ne doivent pas nécessairement rimer, mais dans la plupart des cas, la rime est utilisée. Nous allons examiner quelques options différentes.

Rime complète

Dans une rime complète, les sons des voyelles et des consonnes correspondent. Il n’y a pas plus de rime « complète » que de rime complète.

Par exemple : espoir – corde, penser – cligner des yeux, vaches – parcourir

Comme vous pouvez le voir, les sons des mots correspondent parfaitement.

Demi-rime

La demi-rime est une sorte de version allégée de la rime complète. Là où avec la rime complète les voyelles et les consonnes correspondent dans le son, avec la demi-rime c’est le cas avec une seule des deux.

Par exemple : bug – bun (uniquement les voyelles), bug – bag (uniquement les consonnes)

L’allitération est aussi une forme de demi-rime, dans laquelle les mêmes lettres initiales sont utilisées pour chaque mot. Tels que : Peter Piper a cueilli un pic de poivrons marinés

Placemet de la rime

Vous pouvez rimer à différents endroits dans une phrase. Souvent, les mots qui riment sont à la fin de la phrase, une soi-disant « rime finale ». Mais il existe aussi des alternatives, comme une « rime initiale ». Les mots en début de phrase riment entre eux. Avec une « rime intérieure », les mots sont quelque part au milieu de la phrase qui riment les uns avec les autres.

Schémas de rimes

Vous connaissez maintenant quelques types de rimes, mais comment les traitez-vous dans un texte et où placez-vous les mots qui riment les uns par rapport aux autres ? Il existe différents types de schémas de rimes, quelques exemples :

Rime frappante :                   A – A – A – A

Rimes croisées :                   A – B – A – B

Rime enlacée : A – B – B – A

Rimes décalées :              A – B – C – A – B – C

Voyez les lettres comme des mots qui riment les uns avec les autres; A rime avec A, B avec B, etc.

C’est bien si vous apprenez à connaître toutes sortes de rimes, afin que vous puissiez continuer à varier dans votre écriture. Cela crée des rebondissements surprenants et maintient l’intérêt de l’auditeur.

Pour en savoir plus sur l’écriture de chansons et sur la manière d’améliorer le processus de développement, de création et d’amélioration de la musique enregistrée, visitez notre page de base de connaissances sur Songwriting Education.

La première chose qui vous trotte dans la tête est souvent la mélodie. Un vrai ver de l’oreille peut hanter votre esprit pendant des jours. Mais trouver une nouvelle mélodie qui soit aussi accrocheuse peut être difficile. De nombreux auteurs-compositeurs reviennent après quelques chansons sur une mélodie qu’ils ont déjà utilisée. Voici quelques conseils!

Rangez votre instrument

Si vous jouez presque toujours de votre instrument pendant que vous écrivez, vous risquez de rester coincé dans certains motifs ou progressions d’accords. En conséquence, vous resterez également plus souvent dans la même gamme avec vos mélodies vocales. Alors, laissez votre instrument tranquille et essayez d’écrire des mélodies a cappella. Dans ce cas, vous êtes plus libre de chanter et d’essayer ce que vous voulez, après tout, vous n’êtes plus lié à votre instrument.

Répétition

Le pouvoir de la répétition ne doit pas être sous-estimé. Une fois que vous avez trouvé une mélodie accrocheuse, vous devez en faire bon usage. Mais attention à ne pas énerver avec toutes ces répétitions. Par exemple, utilisez le principe AABA, dans lequel A est votre mélodie principale accrocheuse que vous alternez brièvement avec une mélodie B alternative. De cette façon, vous vous éloignez de la répétition pendant un moment, vous gardez la mélodie fraîche et dès que votre mélodie principale revient, l’auditeur la reconnaît immédiatement à nouveau.

Intervalles

Une mélodie se compose de deux éléments. L’un d’eux est les «intervalles». Un intervalle est la distance musicale entre deux notes. Pour une mélodie à petite tessiture, les intervalles sont logiquement petits, avec une grande tessiture ils sont plus grands. Vous pouvez bien alterner avec cela tout au long d’une chanson. Pour vraiment faire ressortir le refrain, par exemple, vous pouvez choisir de garder les intervalles dans les couplets petits et de les agrandir dans le refrain. De cette façon, vous créez un joli contraste et cela « ouvre » le refrain, pour ainsi dire.

Rythme

La deuxième composante d’une mélodie est le rythme. Vous pouvez essentiellement jouer avec cela de la même manière que vous le faites avec les intervalles. Par exemple, choisissez un rythme rapide dans les couplets et un rythme un peu plus bas dans le refrain. Vous pouvez combiner et varier à l’infini. Notes courtes, notes longues. Si vous variez suffisamment, vous le gardez intéressant.

Ecoutes tes idoles

Si vous avez lu attentivement ce qui précède, je vous conseille d’écouter la musique de vos idoles. Choisissez une chanson que vous aimez et analysez la mélodie des voix. Faites attention aux répétitions, aux intervalles et au rythme et notez-les. Faites cela avec plusieurs chansons et éventuellement des styles différents. Cela vous donne une très belle idée de la façon dont ces mélodies varient avec tous les composants. Prenez cela et profitez-en!

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Qu’une chanson soit bonne dépend beaucoup des paroles. Les chansons avec une bonne histoire accrocheuse restent souvent avec l’auditeur le plus longtemps. C’est à cause de cela que quelqu’un peut commencer à attacher une valeur émotionnelle à une telle chanson. Mais comment écrire des paroles qui racontent vraiment une histoire et restent intéressantes tout au long de la chanson ?

Fondamentalement, vous pouvez grossièrement diviser une parole en deux parties : les couplets et le refrain. Bien sûr, nous avons aussi le pré-refrain et un pont, mais nous les laisserons de côté pour le moment.
Pour donner une profondeur lyrique et la garder intéressante, il faut créer un contraste entre les textes des couplets eux-mêmes, mais aussi entre les couplets et le refrain. Si vous dites constamment la même chose dans toutes les parties de la chanson, il n’y a plus de surprise et cela devient vite lassant. Alors, assurez-vous de bien réfléchir au contraste et à la façon dont vous allez l’appliquer. Cela peut se faire de plusieurs manières.
Par exemple, vous pourriez voir le refrain comme « effet » et les couplets comme « cause ». Bien sûr, cela peut aussi être fait dans l’autre sens. Disons que notre chanson parle de mettre fin à une relation. Dans les couplets, vous pourriez expliquer ce qui, selon vous, ne va pas ou s’est mal passé au cours de votre relation, de sorte que dans le refrain, vous dites que vous mettez fin à cette relation.
Mais il y a encore plus de façons, par exemple : ‘répondre’ et ‘questionner’.

Une fois que vous avez conçu une telle structure, l’étape suivante consiste à créer un contraste entre les versets. Vous ne voulez pas continuer dans le deuxième couplet sur ce qui a déjà été dit dans le premier couplet. La meilleure chose est si vous pouvez esquisser une nouvelle situation dans le deuxième couplet ou regarder la situation d’un nouveau point de vue.
Par exemple, vous pouvez utiliser « passé » dans le premier couplet et « présent » dans le second. Si vous appliquez cela à notre chanson de rupture, vous obtenez l’histoire dans le premier couplet sur ce qui n’a pas fonctionné dans le passé. Ensuite, vous dites dans le refrain que vous avez rompu et dans le deuxième couplet, vous dites comment vous vous sentez après avoir rompu. De cette façon, les paroles continuent de se développer tout au long de la chanson et l’auditeur reste fasciné car vous ne cessez d’inventer de nouvelles situations.

De plus, cela donne au refrain une nouvelle charge émotionnelle après chaque couplet. Après le premier couplet, dans lequel tout est encore pessimiste, le message que vous mettez fin à la relation est encore assez émouvant à cause de la situation décrite précédemment.

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Il peut parfois être extrêmement difficile de trouver un nouveau concept pour une chanson à partir de rien. Bien sûr, vous voulez une bonne histoire et de préférence quelque chose que vous n’avez jamais entendu auparavant. Souvent, les auteurs-compositeurs sont déjà coincés là-bas. Heureusement, il existe plusieurs façons d’éveiller votre esprit créatif. Vous ferez bon nombre de ces exercices à la Wisseloord Academy. Tous les exercices ne vous aideront probablement pas de la même manière, l’écriture de chansons est bien sûr très personnelle. C’est pourquoi il est important d’essayer tous les exercices et astuces ; vous finirez par trouver la voie qui vous convient parfaitement pour proposer de nouvelles idées, même si vous êtes coincé dans un bloc d’écriture. Voici quelques conseils pour vous entraîner :

Écriture d’objet

Si vous ne savez pas exactement sur quoi vous voulez écrire, cet exercice est parfait. Choisissez un objet au hasard, par exemple votre chaussure et réglez une minuterie sur dix minutes. Pendant ces dix minutes, vous écrirez autant de choses que possible qui ont à voir avec votre chaussure. Décrivez à quoi il ressemble, où vous l’avez acheté, où vous l’avez utilisé et ce que vous en avez vécu. Peu importe tant que votre stylo ne quitte pas le papier. Vous devez continuer à écrire constamment. Si vous ne pouvez pas penser à une belle phrase, écrivez littéralement les mots individuels qui vous viennent à l’esprit.

Lorsque les dix minutes sont écoulées, vous pouvez lire le résultat. Vous n’allez probablement pas écrire une chanson sur votre chaussure, mais il y a de fortes chances qu’il y ait une certaine phrase ou un certain mot dans votre texte qui vous attire soudainement. Par exemple, remplacez le mot « chaussure » par un mot que vous aimez et continuez à écrire à partir de ce point. Vous finirez probablement par trouver une nouvelle chanson ou une nouvelle idée qui n’a rien à voir avec votre chaussure, mais ces dix minutes d’écriture vous donneront une nouvelle inspiration !

Combinaisons inhabituelles

L’écriture de chansons consiste à raconter une histoire. Des combinaisons de mots inhabituelles peuvent être utiles pour raconter ou dépeindre une histoire ou un sentiment. Par exemple, pensez à des combinaisons telles que « l’eau sèche » ou « le son silencieux ». Un bon exercice pour arriver à ce genre de combinaisons est de faire deux colonnes sur papier. Dans la colonne de gauche, vous mettez 20 adjectifs et dans la colonne de droite 20 noms. Faites cela avec le papier plié au milieu afin que vous ne puissiez voir que la colonne dans laquelle vous écrivez. Lorsque vous avez rempli les deux colonnes, dépliez à nouveau le papier et vous verrez les combinaisons de mots aléatoires que vous venez de créer. Il y a presque toujours quelque chose qui fonctionne très bien et que vous pouvez utiliser dans votre composition !

Conseils supplémentaires

Si vous êtes multilingue, vous voudrez peut-être envisager de commencer à écrire dans une langue différente de celle à laquelle vous êtes habitué. Lorsque vous avez enfin écrit un bon brouillon, vous le traduisez dans votre langue préférée. De cette façon, vous vous retrouvez souvent avec de nouveaux choix de mots.

Le dernier conseil est d’utiliser votre bloc-notes ! Beaucoup de gens l’utilisent dans leur téléphone, mais un véritable bloc-notes physique est bien sûr également utile. Dans la vie de tous les jours, vous rencontrerez de nombreux mots, phrases et citations qui sont beaux à utiliser dans votre écriture de chansons. Pensez à des textes de films ou de séries, mais aussi à des conversations que vous entendez au quotidien. Écrivez-les! Si vous êtes coincé à écrire plus tard, vous aurez un bon livre de référence plein d’idées que vous pourrez utiliser.

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La plupart des auteurs-compositeurs ont écrit leur première chanson seuls. Mais de nos jours, presque toutes les chansons que vous écoutez sont écrites par au moins deux ou trois auteurs. Pour certaines personnes, il est difficile de faire cette transition pour faire des co-écritures. Mais cela peut entraîner d’énormes améliorations dans votre écriture. À la Wisseloord Academy, vous ferez de nombreuses sessions de co-écriture. Mais pourquoi se lancer dans la co-écriture et quels sont les trucs et astuces à retenir ?

Si vous essayez la co-écriture, vous travaillerez avec beaucoup de gens. Certains d’entre eux que vous connaissez déjà et d’autres que vous rencontrez pour la première fois sur place, puis dans la salle d’écriture. Si vous venez de vous rencontrer, ne vous précipitez pas et ne commencez pas à écrire tout de suite. Prenez votre temps, prenez une tasse de café ensemble, parlez de la vie et écoutez peut-être certaines des chansons de l’autre. L’écriture de chansons est une chose très délicate, apprendre à connaître un peu les auteurs dans la salle ne fera pas de mal. Vous devrez être capable de vous ouvrir les uns aux autres pour arriver au meilleur résultat. Lorsque vous vous sentirez à l’aise avec quelqu’un, ce sera plus facile.

Ce qui rend la co-écriture si intéressante, c’est que vous rencontrerez à chaque fois de nouvelles façons d’écrire. Chaque auteur-compositeur a sa propre façon d’aborder une parole ou une façon de trouver des mélodies. Cela vous donne de nouvelles perspectives et idées. À côté de cela, c’est un moyen de mélanger les genres et les styles que vous n’auriez normalement jamais trouvés par vous-même. Vos compétences en écriture de chansons peuvent en bénéficier énormément. Vous pouvez utiliser les différentes techniques et styles pour les implémenter dans votre propre écriture de chansons et construire votre propre argument de vente unique.

Écrire seul peut être paisible et vous donne la liberté d’écrire ce que vous voulez. Mais que se passe-t-il si vous souffrez soudainement d’un soi-disant blocage de l’écrivain ou si vous êtes bloqué sur cette phrase que vous n’aimez toujours pas ? Dans les sessions de co-écriture, il y a toujours au moins une personne de plus dans la salle qui peut aider dans une telle situation. Au cours d’une session avec quelques écrivains, les chances sont plus grandes que les idées, les concepts, les paroles, les mélodies, etc. continuent d’affluer. Ainsi, le bloc de l’écrivain est moins susceptible d’apparaître.

Ces sessions ne sont pas seulement bonnes pour votre composition, elles vous permettent également de rencontrer de nouvelles personnes et de développer votre réseau. Ce qui peut être très utile à l’avenir. Si une session se passe bien, il y a de fortes chances que l’artiste ou l’auteur-compositeur vous demande de faire plus de sessions ensemble. De cette façon, vous pouvez travailler sur votre « marque » et vous faire un nom. Si les gens aiment travailler avec vous, d’autres personnes commenceront à le remarquer, ce qui entraînera davantage de séances et de briefings. Alors, avez-vous déjà programmé votre première session de co-écriture ?

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À la Wisseloord Academy, vous serez préparé pour la vraie chose. Vous travaillerez régulièrement sur des missions et des briefings en dehors du terrain de travail. Cela vous donne une double chance : vous pouvez acquérir de l’expérience tout en réalisant la mission et si vous effectuez bien le briefing, il se peut que votre travail fasse la « coupe ». Mais comment fonctionnent ces briefings et à quoi devez-vous faire attention lorsque vous commencez à y travailler ?

Les briefings peuvent provenir de tous les coins du champ de travail. Vous les obtiendrez auprès d’artistes, d’agences de publicité, de labels, de producteurs de films et bien plus encore. Il est important de savoir avec quel type de parti vous travaillez pour obtenir le bon résultat.

Plusieurs choses sont énoncées dans un briefing. Prenons, par exemple, un briefing pour la musique de film.

Cela implique souvent une recherche de la chanson titre ou de la musique d’une scène spécifique. Le client fournit souvent un court résumé du contenu du film et précise ce qu’il recherche. Cette question est parfois étayée, parfois non par des « pistes de référence ». Ce sont des chansons préexistantes qu’ils donnent comme exemple pour le type de piste qu’ils recherchent. Notez que vous ne copiez pas ces pistes 1 sur 1, mais prenez-les simplement comme exemple. Par exemple, vous pouvez vous inspirer du rythme, du style de production ou de la manière d’utiliser l’instrument ou le chant.

De nombreux briefings, aussi appelés pitchs, sont également délivrés par des artistes et labels. Ces artistes sont à la recherche de leur nouveau tube et vous pouvez travailler dessus ! Dans le briefing, ils indiquent ce qu’ils recherchent et quel genre de musique ils ont déjà fait et sorti récemment. Gardez à l’esprit qu’un tel artiste a besoin de quelque chose de nouveau, alors ne copiez pas ses chansons précédentes.

Une date limite est presque toujours indiquée dans le briefing, alors respectez-la. Veuillez soumettre votre travail dès que possible. Les briefings sont souvent envoyés à plusieurs parties, la concurrence est donc féroce. Plus tôt vous soumettez votre travail, mieux c’est. Il serait dommage que vous n’obteniez pas la mission car ils ont déjà choisi un autre travail.

Il arrivera plus souvent que votre travail ne sera finalement pas utilisé qu’il ne le sera. Soyez prêt pour cela. La compétition est élevée, donc la chance que vous « gagniez » est plus petite. N’abandonnez pas mais passez au briefing suivant.

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Si vous écrivez depuis un certain temps et que vous avez livré beaucoup de chansons, vous pourriez développer un blocage de l’écrivain. N’ai-je pas déjà utilisé cette progression d’accords ? Ce rythme de guitare n’est-il pas de ma chanson précédente ? J’ai écrit cette mélodie la semaine dernière, n’est-ce pas ?
Ce sont des questions qui viennent régulièrement à l’esprit même des auteurs-compositeurs les plus réussis et les plus chevronnés et ce n’est pas surprenant. Si vous écrivez des chansons cinq jours par semaine, vous finirez par tomber sur des choses que vous connaissez déjà. Ce n’est pas un problème, tant que vous connaissez les astuces pour vous en sortir. Si vous étudiez la musique à la Wisseloord Academy, vous le rencontrerez certainement à long terme. Les enseignants ont de nombreuses façons pour vous de résoudre ce problème, comme les exemples suivants.
Laisse ta guitare
Si vous écrivez toujours des chansons avec votre guitare, vous finirez par retomber dans certains schémas. Chaque guitariste a des rythmes, des progressions d’accords et des mélodies qu’il aime jouer. Il n’est donc pas étonnant qu’ils se rabattent rapidement là-dessus, après tout, c’est ‘votre son’. Mais vous finirez par entendre les mêmes sons encore et encore. Essayez-le sans la guitare ou jouez d’un autre instrument comme le piano. Pour les pianistes parmi nous, bien sûr, le contraire est conseillé.
Changer la structure de la chanson
La plupart des chansons ont toutes la même structure standard : couplet, pré-refrain, refrain, couplet, pré-refrain, refrain. Peut-être avec un pont et un chœur supplémentaire à la fin. Et si nous faisions les choses complètement différemment ? Mélangez les éléments, omettez-en un, ajoutez-en un. Qui sait, vous pourriez trouver de toutes nouvelles idées.
Écrire sur un bateau
Les auteurs-compositeurs ont souvent un lieu fixe où ils écrivent leurs chansons. Cela peut sembler fou, mais cela aussi peut causer le blocage de l’écrivain à long terme. Il peut être très inspirant de partir en voyage et d’organiser une séance dans un lieu qui vous est inhabituel. C’est aussi l’une des raisons pour lesquelles on voit souvent des artistes organiser des camps d’écriture dans des lieux particuliers, souvent aussi à l’étranger. Alors, va écrire sur un bateau au milieu de
le lac ou louer une maison quelque part en Norvège. Qui sait, vous écrirez peut-être le prochain tube norvégien !
Essayez un genre différent
Si vous écrivez toujours dans le même genre, c’est une bonne idée de faire un voyage vers quelque chose de complètement différent. Trouvez un artiste ou un auteur-compositeur qui fait des chansons complètement différentes des vôtres et voyez ce qui ressort de la session ! Les nouvelles influences ne peuvent jamais nuire à votre écriture et vous en tirez toujours quelque chose. Pour la chanson elle-même, il peut aussi être très intéressant de rapprocher deux genres, par exemple.

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Peu de choses semblent si bonnes au début, mais peuvent transformer votre piste en baignoire ou en bassin de boue en un clin d’œil.

La réverbération (abréviation de réverbération) est différente du délai. Là où des échos séparés sont toujours audibles avec un retard, une réverbération consiste en un grand nombre de petits échos qui se succèdent si rapidement qu’ils ne peuvent plus être entendus séparément.

Une piste sans réverbération semble très peu naturelle et étrange. C’est parce qu’il y a toujours du récif autour de vous. Nous n’en sommes généralement pas conscients. Les murs de votre chambre ou les reflets sur les voitures qui passent devant vous donnent toujours une image de l’espace autour de vous. Et c’est exactement pour cela que vous utilisez la réverbération.
Avec la réverbération, vous pouvez spécifier la taille de l’espace dans lequel se trouvent les éléments de votre piste. En plus de la profondeur, la réverbération peut également déterminer une atmosphère, pensez à la musique ambiante, où les longues réverbérations sont très courantes.

Avec la réverbération, vous pouvez donner aux sons leur propre place dans votre morceau. En ajoutant de la réverbération aux éléments, vous pouvez les placer davantage en arrière-plan. En donnant moins de réverbération aux autres éléments, vous les faites ressortir davantage.

Il existe de nombreux types de réverbération différents, mais les plus couramment utilisés sont les réverbérations de chambre, de salle, de salle, à plaque et à ressort. Les trois premiers font référence à des espaces physiques et parlent d’eux-mêmes. Une réverbération de chambre a beaucoup de premières réflexions et une courte queue de réverbération. Une réverbération Hall est souvent longue et grosse. Une réverbération de pièce est souvent entre les deux.

Là où les trois premiers sont modélisés d’après des espaces physiques, les réverbérations à plaques et à ressort sont modélisées d’après des dispositifs électromécaniques.
Une réverbération à plaque est une plaque qui vibre avec la musique. Il semble proche du son et est souvent utilisé sur les voix en raison de son caractère.

Une réverbération à ressort est un ressort en fer que l’on trouve souvent dans les amplificateurs de guitare. Vous reconnaissez souvent le son des morceaux des années 60.

La plupart des réverbérations ont un certain nombre de paramètres :

Pre-delay : le temps qu’il faut avant d’entendre les premières réflexions du son. Plus le pré-délai est grand, plus la pièce est grande.
Early reflexions: Les premières réflexions sont les premières réflexions d’un son. Une petite pièce reflétera le son presque instantanément. Dans une église, par exemple, cela prend beaucoup plus de temps.
Density : détermine la densité de la réverbération. En d’autres termes : combien d’espace il y a entre les premières réflexions. Moins la réverbération est dense, plus la réverbération est naturelle.
Decay of reverb time : détermine la durée de disparition de la queue de réverbération.

De plus, de nombreuses réverbérations auront également une section EQ. Notez qu’une queue de réverbération naturelle n’a jamais réellement de basses fréquences. Vous devrez donc le supprimer manuellement ou non.

Avec la réverbération compte souvent : moins c’est plus. Tournez-le jusqu’à ce que vous l’entendiez, puis reculez un peu. La réverbération peut rassembler votre morceau et mettre vraiment les gens dans votre musique. Utiliser ça!

Pour en savoir plus sur la production musicale et comment améliorer le processus de développement, de création et d’amélioration de la musique enregistrée, visitez notre page de base de connaissances Éducation à la production musicale.