Auteur/autrice : jens

Une fois que vous commencez à travailler de manière plus professionnelle en tant qu’auteur-compositeur ou producteur, il est utile de savoir quels sont les droits sur la musique. Une grande attention y est également portée à l’Académie Wisseloord. Il est important de savoir à quoi vous avez droit et comment l’enregistrer.

En termes simples, les droits musicaux peuvent être divisés en deux types de droits. Droit d’auteur et droit connexe.

Le droit d’auteur (également appelé « copyright ») appartient au(x) auteur(s) d’une composition originale. Donc, si vous écrivez une nouvelle chanson par vous-même, vous avez 100% des droits d’auteur sur cette chanson. Vous enregistrez ce droit auprès d’une organisation de droit d’auteur, aux Pays-Bas par exemple Buma/Stemra ou la SACEM en France.

Le droit voisin (également appelé « droit maître ») appartient au(x) artiste(s) interprète(s) et au producteur de la chanson. Les artistes interprètes incluent l’artiste principal de la chanson et les musiciens qui ont enregistré (des parties de) la chanson, comme un guitariste, un batteur ou un pianiste. Le producteur est la partie qui garantit que la production peut avoir lieu. Aux Pays-Bas, par exemple, vous enregistrez ce droit auprès de Sena.

Veuillez noter que vous pouvez avoir à la fois le droit d’auteur et les droits voisins pour une chanson. Cela peut être le cas si, par exemple, vous êtes l’artiste et l’auteur d’une chanson.

Les droits musicaux peuvent être assez compliqués, par exemple avec « l’échantillonnage ». Ceci utilise un morceau d’audio d’une chanson précédemment publiée. Si vous intégrez cela dans une nouvelle chanson, vous ne pouvez pas simplement la publier sans consultation. Vérifiez toujours qui sont les détenteurs des droits de cet extrait audio et contactez les parties concernées. Ils doivent d’abord donner leur autorisation avant que vous puissiez réellement l’utiliser. Cela s’accompagne souvent de la renonciation (partielle) au droit d’auteur, mais cela diffère d’une transaction à l’autre. Ceci s’applique également aux « remixes ».

Si on vous propose un contrat d’édition ou de disque, vérifiez toujours attentivement le contrat avant de le signer. Cela semble très logique, mais beaucoup de gens dessinent trop rapidement par enthousiasme sans se rendre compte de ce qu’ils sont réellement

ont signé. Il existe des avocats et des parties indépendantes qui se spécialisent dans le droit de la musique. Soyez toujours bien informé et n’ayez pas peur de parler aux parties concernées de votre contrat. Une collaboration doit être agréable pour les deux parties.

Pour en savoir plus sur les études musicales et sur la façon d’améliorer le processus de développement, de création et d’amélioration de la musique enregistrée, visitez notre page de base de connaissances sur Music Studies Education.

La théorie musicale vous explique pourquoi la musique fonctionne comme elle le fait. Il expose la structure sous vos morceaux préférés et explique pourquoi il fait ce qu’il fait.

Les musiciens utilisent la théorie musicale pour communiquer entre eux sur leur musique afin qu’ils puissent parler la même langue avec les mêmes mots.

Pour maîtriser les bases du solfège, il n’est pas nécessaire d’avoir un diplôme universitaire ou de conservatoire. Vous pouvez facilement maîtriser cela vous-même en appliquant la théorie à votre propre pratique.

La théorie musicale peut être grossièrement divisée en trois blocs :

Mélodie : cela peut être une voix, mais aussi un solo de guitare, ou un crochet de synthé
Harmonie : accords et progressions d’accords
Rythme : ce qui vous fait danser
Les deux premiers sont étroitement liés et ont tous deux à voir avec les échelles :

Les gammes sont des séquences fixes de pas entiers et de demi-tons, disons les éléments constitutifs d’une mélodie. Une gamme détermine le caractère d’une chanson. Vous les utilisez souvent intuitivement sans vous rendre compte qu’il s’agit d’une échelle.

Les deux gammes les plus connues sont la gamme majeure et la gamme mineure, mais il en existe bien d’autres avec chacune leurs caractéristiques propres.

Si vous jouez deux notes d’une gamme en même temps, vous aurez déjà un accord. La gamme détermine les accords que vous utilisez. Chaque gamme a sa propre collection d’accords.

Le rythme détermine la pulsation d’une piste. Sans rythme, il est impossible d’écrire une bonne mélodie. Comme votre DAW, la musique est souvent décomposée en mesures. La longueur de votre taille est déterminée par la signature rythmique. Cela ne dit rien sur le tempo, c’est votre BPM qui le fait. Cela dit quelque chose sur la façon dont le rythme est divisé dans votre mesure. Quatre-quatre temps (ou 4/4) est la signature rythmique la plus couramment utilisée. Mais saviez-vous qu’il y a aussi beaucoup de musique dans d’autres signatures temporelles ? Même dans la musique pop, cela arrive.

La théorie musicale explique comment la musique est construite, mais elle ne créera jamais rien de nouveau. La théorie musicale détermine les règles auxquelles vous, l’artiste, pouvez déroger.

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Si vous voulez écrire des mélodies mémorables, il est bon de savoir comment fonctionne le rythme et comment l’utiliser dans vos morceaux.

Les rythmes peuvent se compliquer rapidement, mais connaître quelques concepts de base vous mènera loin.

La plupart des musiques sont systématiquement divisées en unités de temps : les mesures. Ces mesures se succèdent à un rythme prédéterminé. Du moins, c’est la théorie.

En pratique, le rythme est un groove, jouer ensemble. C’est ainsi que la musique se déplace dans le temps.

La notation rythmique est utilisée pour noter la durée des notes et des rythmes.

Une note entière représente la valeur la plus longue. Il peut être divisé en blanches, noires, croches, doubles croches et ainsi de suite.

Une blanche correspond à la moitié de la durée d’une ronde. Une noire correspond à la moitié de la durée d’une blanche, une croche à la moitié d’une noire, etc.

Ces notes peuvent se succéder dans n’importe quel ordre pour créer des rythmes différents.

La plupart des musiques ont une pulsation sous-jacente qui indique le tempo. Cette impulsion peut être divisée en mesures. Dans la musique occidentale, nous utilisons une signature temporelle pour indiquer comment cette subdivision est faite.

Le pouls est représenté sous forme de fraction. Cette fraction indique le nombre de notes par mesure et dans quelle note se trouve le nombre de battements.

La signature temporelle la plus courante est une mesure 4/4. Une mesure 4/4 a 4 impulsions dans une mesure, et ces impulsions sont écrites sous forme de noires. Une mesure 4/4 a 4 noires.

Il y a bien sûr beaucoup plus de signatures temporelles possibles. Pensez au morceau Tolerate it de Taylor Swift : il est écrit en 5/4, où il y a 5 accents dans une mesure. Ou Nothing Else Matters de Metallica : en 6/8. Une mesure 6/8 a 6 impulsions de la longueur d’une croche dans chaque mesure.

Pour écrire des rythmes contrastés, il est important de connaître la différence entre les battements faibles et forts. Une mesure 4/4 a généralement le rythme fort sur la première et la troisième noire. Pensez à l’endroit où se trouveront le coup de pied et la caisse claire sur un simple battement. KICK – hat – SNARE – hat, ou UN – deux – TROIS – quatre.

Une mesure 3/4 a le battement fort uniquement sur la première noire : UN – deux – trois – UN – deux – trois.

Chaque rythme peut être divisé en groupes de deux ou trois.

En jouant avec des accents avant ou après des temps forts, vous créez un contraste rythmique et accentuez le contretemps.

Cela peut aider énormément à comprendre comment fonctionnent les structures rythmiques. Si vous ne comprenez pas un rythme tout de suite, n’ayez pas peur de saisir vos mains et de simplement taper dessus. Le rythme est physique, tout comme la danse. Vous devez le ressentir, et plus vous le ressentez, mieux vous y parvenez.

Si vous voulez faire carrière dans la musique en tant qu’auteur-compositeur et/ou producteur, faire beaucoup de sessions et éventuellement écrire pour et avec d’autres artistes, vous finirez peut-être par travailler avec un éditeur. Aux Wisseloord Academy Business Classes vous rencontrerez de nombreux éditeurs ; ils vous diront qui ils sont, quels sont leurs détails de travail et peut-être pourrez-vous leur montrer une partie de votre musique. Dans cet article, nous vous emmènerons brièvement dans le monde des éditeurs afin que vous soyez bien préparé pour la classe affaires !

Que fait un éditeur ?

Un éditeur de musique gère les droits des auteurs-compositeurs et producteurs signés. Cela concerne les droits d’auteur et non les droits de maître. Vous pouvez en savoir plus sur ces droits dans l’article sur « Vos droits ».

En bref : un éditeur organise des sessions et des briefings pour l’auteur-compositeur avec et pour les artistes qui recherchent de la nouvelle musique. En outre, cela peut également concerner la musique de film ou publicitaire, par exemple. Dès qu’une sortie en sort et qu’elle commence à générer des royalties, c’est à l’éditeur de s’assurer que tout cela est bien administré. En échange de ce travail, l’éditeur perçoit un pourcentage fixe convenu contractuellement sur les revenus de redevances.

Pourquoi signer avec un éditeur ?

Signer avec un éditeur présente plusieurs avantages. Les éditeurs ont souvent des connexions et des capacités importantes que vous n’avez pas. Pensez aux contacts avec les grands labels et artistes. S’ils recherchent de la nouvelle musique, ils frappent souvent à la porte d’un éditeur, car ils disposent d’un vaste réseau des meilleurs auteurs. Cela vous donne la possibilité de travailler sur de nouvelles musiques de grands artistes.

De plus, autre avantage important : l’éditeur prend en charge les tâches administratives concernant les droits d’auteur. Supposons qu’une de vos chansons ait été beaucoup diffusée à la radio quelque part à l’étranger, alors l’éditeur s’assurera que tout l’argent est soigneusement collecté et se retrouve avec les détenteurs des droits.

Quand envoyez-vous votre musique à un éditeur ?

Si votre objectif est de signer éventuellement un contrat d’édition, vous devez réfléchir attentivement à quelques points. La chose la plus importante est la première impression que vous faites. Les éditeurs reçoivent des dizaines à des centaines d’e-mails par jour d’auteurs-compositeurs qui souhaitent présenter leur musique. Assurez-vous de vous démarquer. N’envoyez pas votre musique tant que vous n’êtes pas sûr d’être assez bon pour rivaliser avec les meilleurs de l’industrie. Si vous envoyez votre musique trop tôt, vous ne ferez pas bonne impression. La prochaine fois que vous envoyez un e-mail avec de la nouvelle musique, vous courez le risque qu’ils vous ignorent tout de suite. Soyez donc patient et utilisez vos chances avec parcimonie.

Avant d’envoyer votre musique à toutes sortes d’éditeurs, faites des recherches. Vérifiez bien si le type de musique que vous créez convient vraiment à un certain éditeur. Si vous, en tant qu’artiste country, envoyez votre musique à un éditeur orienté hip-hop, cela apparaît comme très peu professionnel. Premièrement, vous n’y signerez probablement pas de toute façon et deuxièmement; on parle beaucoup dans cette industrie. Et ce n’est pas bon pour votre image. Faites donc attention ici avec quels éditeurs vous approchez.

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Tout semble si simple lorsque vous activez la nouvelle liste de lecture « New Music Friday » sur Spotify. Chaque semaine et chaque jour des dizaines, des centaines, des milliers de nouvelles chansons. « Ça doit être facile à faire alors », pense-t-on souvent. C’est quand même un peu décevant en pratique. Il y a encore beaucoup de travail à faire avant qu’une nouvelle chanson puisse arriver sur les ondes.

Écriture de chansons

Cela peut sembler un peu redondant, mais bien sûr, cela commence par l’écriture de chansons. Et bien qu’il reste encore beaucoup à faire avant la sortie d’une chanson, c’est l’étape la plus importante. Vous pouvez faire autant d’édition et de promotion que vous le souhaitez, mais si la chanson n’est pas de qualité, cela ne fonctionnera pas. Alors, prenez votre temps pour cela. De nombreux artistes écrivent également plusieurs chansons avant de les sortir afin de pouvoir choisir la meilleure chanson.

Production

Ce n’est pas quelque chose que vous devez nécessairement faire vous-même, sauf si vous êtes un bon producteur. Réfléchissez bien à ce que vous avez en tête pour la chanson ; quel genre de son doit-il obtenir? Il est important que vous vous approchiez du bon producteur pour produire votre chanson, vous entendrez également son propre son.

La chanson sera-t-elle enregistrée avec un groupe live ou des éléments live ? Réfléchissez bien à cela avant de choisir les musiciens.

Mixage et Mastering

Une fois que la production est terminée et que vous en êtes satisfait, la chanson doit être mixée et masterisée. Le mixage est fait pour s’assurer que certaines fréquences gênantes ne prennent pas le dessus et que vous pouvez bien entendre tous les éléments d’une production. Cela se fait par piste de la production, donc chaque élément séparément, pour que ça sonne bien ensemble.

Le mastering termine le mixage dans son ensemble et garantit que la piste obtient un son global constant. Après le mastering, un morceau est prêt à être diffusé sur les services de radio, de télévision et de streaming.

Promotion

Dès que votre morceau est prêt à sortir, la partie « promotion » arrive. Aujourd’hui, le streaming est un élément très important pour attirer l’attention du public sur la piste. Assurez-vous d’avoir soumis votre morceau à Spotify quelques semaines avant la date de sortie, afin d’avoir le temps de le présenter aux conservateurs de la playlist.

De plus, vous pouvez envisager d’embaucher un promoteur radio pour présenter votre chanson aux différentes stations de radio.

Et bien sûr; assurez-vous d’avoir un bon spectacle en direct prêt. Rien n’est plus ennuyeux que d’avoir soudainement un coup, mais de ne pas pouvoir jouer un spectacle. Soyez prêt pour ça !

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Les labels se rendront également à la Wisseloord Academy pour parler de leur travail, une occasion idéale pour vous en tant qu’artiste de vous mettre en lumière. Mais qu’est-ce qu’un label et qu’est-ce qu’il fait réellement ?

Les labels, également connus sous le nom de maisons de disques, peuvent être divisés en deux groupes. Les ‘3 Majors’ et les labels ‘indépendants’. Les majors sont Sony, Universal et Warner. Ces trois parties sont les plus grandes maisons de disques au monde et représentent ensemble la grande majorité des parts de marché. Les étiquettes indépendantes sont toutes les autres étiquettes plus petites.

Une maison de disques est toujours à la recherche de nouveaux talents inconnus avec lesquels ils espèrent prendre d’assaut les charts. Ils proposent à ces talents des contrats d’enregistrement et les aident ensuite à sortir de la musique. Ils le font, par exemple, en finançant l’enregistrement, en s’occupant du marketing ou en gérant la distribution d’une chanson.

L’avantage de signer avec une telle maison de disques, c’est qu’ils ont un réseau que vous n’avez pas à portée de main. C’est une tâche simple pour eux de porter votre nouveau single à l’attention des plus grands DJ de radio du pays, quelque chose qu’un artiste non signé doit arranger tout seul. De plus, enregistrer et produire un single, un EP ou un album coûte très cher si vous voulez le faire correctement. Une maison de disques peut financer cela pour vous, ou en partie, selon l’accord conclu.

Un responsable A&R (artiste et répertoire) vous sera également attribué lors du dessin. Ils vous aident à chaque étape des développements musicaux. Ils vous donnent des commentaires sur vos dernières créations, s’assurent que vous pouvez travailler avec les bons auteurs et producteurs et voient laquelle de toutes les chansons est la meilleure à promouvoir en un seul.

Mais si vous souhaitez signer un contrat avec une telle maison de disques, la bonne musique seule ne suffit pas. Les labels reçoivent chaque jour d’innombrables emails et courriers d’artistes en herbe qui ne demandent qu’à se faire connaître.

Ne poussez pas, si vous n’avez pas reçu de réponse à votre soumission c’est que vous n’êtes probablement pas (encore) assez intéressant. Vérifiez avec vous-même, que puis-je améliorer ? Fournissez un spectacle en direct serré, de nombreuses performances et des sorties afin de vous constituer une base de fans régulière. Les actes qui ont déjà du succès auprès d’un (large) public sont plus intéressants pour un label que de se jeter sur un talent totalement inconnu. Alors, prenez votre temps, construisez d’abord votre musique et votre acte. Il n’y a aucune raison de se précipiter.

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Comment trouver les bons accords pour ma mélodie ? Chaque mélodie est créée dans une clé, mais comment puis-je trouver cette clé ?

Beaucoup de musique pop commence et finit sur la tonique. La tonique est l’accord qui vous donne le sentiment d’être chez vous. C’est un accord régulier qui vous dit immédiatement : ça sonne bien et je ne vais nulle part.

En plus du tonique, parfois écrit aussi écrit avec le chiffre romain I, vous avez aussi la dominante et la sous-dominante.

La dominante, écrite avec le chiffre V, peut être vue comme l’opposé de la tonique. L’accord est construit à partir de la cinquième note de la gamme (dans la gamme de A, ce serait E : A-B-C-D-E). Si vous écoutez attentivement la dominante, vous entendrez qu’elle veut se dissoudre jusqu’à la tonique. Cette tension entre la tonique et la dominante est à la base des progressions harmoniques dans la plupart des musiques.

Le sous-dominant, écrit comme le nombre IV (ou parfois II), est souvent utilisé pour combler le fossé entre le tonique et le dominant.

L’étape suivante consiste à déterminer si vous êtes dans une tonalité mineure ou majeure. Pour faire simple : une tonalité mineure sonne triste, une tonalité majeure sonne joyeuse. Cependant, il existe de nombreux exemples où ce n’est pas le cas.

Une tonalité mineure se compose des distances tonales suivantes : Ton – demi ton – Ton – Ton – demi ton – Ton – Ton

Une tonalité majeure est constituée des distances tonales suivantes : Ton – Ton – demi ton – Ton – Ton – Ton – demi ton

Vous remarquez immédiatement que les deux gammes ont cinq tons entiers et deux demi-tons. C’est parce qu’ils sont essentiellement à la même échelle, seulement ils commencent à un endroit différent.

Cela devient clair lorsque vous jouez la tonalité de do majeur sur un piano. Vous n’utilisez que les touches blanches. Lorsque vous jouez la tonalité de la mineur sur un piano, vous n’utiliserez également que les touches blanches, mais au lieu de commencer par un do, vous commencerez par le la.

Écrire une bonne mélodie et une bonne progression d’accords a à voir avec la tension et le relâchement. Un morceau ne veut pas seulement s’attarder sur le tonique. Il veut aller quelque part pour créer du contraste. Une bonne chanson varie entre la tonique, la dominante et la sous-dominante et tout le reste.

En plus des gammes mineures et majeures bien connues, il existe de nombreux autres types de gammes. Les plus connus sont :

Pentatonique : Du mot grec penta, signifiant cinq. Cette échelle n’a que cinq notes. De nombreux solos de blues sont dans une gamme pentatonique. Une gamme pentatonique facile à jouer est constituée de toutes les touches noires du piano.

Modes musicaux : un mode, tout comme une gamme mineure et majeure, a sept tons et aussi cinq rondes et deux blanches. Il existe sept modes, chacun avec sa propre couleur et son propre.

Gamme tzigane : courante dans la musique d’Europe de l’Est, a un caractère mélancolique et suppliant.

En fin de compte, vous écrirez généralement une mélodie de manière intuitive, mais avoir une connaissance plus large des gammes et de l’harmonie peut vous donner un coup de pouce supplémentaire si vous êtes coincé dans une boucle !

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Les intervalles sont une partie essentielle de la théorie musicale. Ce sont les éléments constitutifs des mélodies, des harmonies et des progressions d’accords.

Les intervalles en musique sont la distance entre deux notes. Un intervalle peut être joué simultanément, comme dans un accord, ou séquentiellement, formant une mélodie.

Les intervalles peuvent être accablants au début. Néanmoins, il est utile de les apprendre, car ils vous apportent beaucoup de soutien dans la musique que vous faites. Vous pourrez chanter des mélodies plus rapidement, vous reconnaîtrez et créerez des motifs d’accords plus rapidement, et il sera plus facile de trouver des harmonies sur une voix.

Chaque intervalle vous indique la distance entre les deux notes. Le nom, ou le numéro, vient du nombre de distances tonales qui les séparent.

Comme les accords, les intervalles ont leurs propres caractères et sonorités. Par exemple, la tierce majeure d’un accord majeur sonne plus joyeusement que la tierce mineure qui se produit dans un accord mineur. Certains intervalles n’ont pas de propriétés mineures ou majeures. Ces intervalles (la quarte et la quinte) sont alors dits parfaits.

Les intervalles d’une gamme en Do majeur sont les suivants :

C                                 D                                     E                                F                            G                A                        B

unisson               seconde Majeure           Tierce Majeure          Quarte            Quinte           Sixte              Septième

Les intervalles d’une gamme en la mineur sont les suivants:

A                               B                                        C                                 D                   E                      F                         G

unisson               seconde Majeure           Tierce mineure            Quarte         Quinte            Sixte                Septième

Ces distances tonales sont des distances tonales diatoniques – les intervalles que vous avez dans la majeure des gammes mineures.
Les douze distances tonales dans une octave sont appelées comme suit :

Semitone amount  Interval

0                                  Unisson

1                                 Seconde mineure

2                                 Seconde majeure

3                                 Tierce mineure

4                                 Tierce majeure

5                                  Quarte parfaite

6                                 Quarte augmentée / quinte diminuée

7                                  Quinte parfaite

8                                 Sixte mineure

9                                 Sixte majeure

10                              Septième mineure

11                                Septième majeure

12                               Octave

Connaître les intervalles peut vous donner une grande longueur d’avance. Vous pouvez le faire simplement au piano ou avec des tests en ligne.

Une astuce bien connue et plus simple consiste à associer les intervalles aux deux premières notes de mélodies familières :

1. Small second: Jaw’s theme https://www.youtube.com/watch?v=lV8i-pSVMaQ
2. Big second: Happy Birthday
3. Minor Third: Seven Nation Army – The White Stripes: https://www.youtube.com/watch?v=0J2QdDbelmY
4. Major Third: When the Saints Go Marching In https://www.youtube.com/watch?v=wyLjbMBpGDA
5. Pure Quarter: Star Wars – The Force Theme https://www.youtube.com/watch?v=HcZ9kQ1h-ZY
6. Augmented fourth/diminished fifth: The Simpson’s Theme https://www.youtube.com/watch?v=jfVBrpIhH60
7. Perfect Quint: Can’t Help Falling in Love – Elvis Presley https://www.youtube.com/watch?v=vGJTaP6anOU
8. Minor Sixt: Nothing Compares 2 U – Sinead O’Connor https://www.youtube.com/watch?v=NAOKzvL8dgk#t=165s
9. Major sixth: My Way – Frank Sinatra https://www.youtube.com/watch?v=6E2hYDIFDIU#t=6s

• Small seventh: The Winner takes it all – ABBA https://www.youtube.com/watch?v=92cwKCU8Z5c#t=127s
• Major seventh: Take on me – A-Ha https://www.youtube.com/watch?v=djV11Xbc914
• Octave: Somewhere Over the Rainbow – Wizard of Oz https://www.youtube.com/watch?v=PSZxmZmBfnU

Les intervalles sont si importants dans la théorie musicale qu’il peut être difficile de progresser sans aucune connaissance de ceux-ci. Mais une fois que vous avez entendu tous les exemples ci-dessus, vous êtes presque à mi-chemin !

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A l’Académie de Wisseloord, l’attention est également portée sur l’artiste. Comment bien vous commercialiser ? Comment voulez-vous vous profiler et comment organisez-vous un bon spectacle en direct ?

La musique

Tout d’abord, la musique. Avant de commencer à sortir des morceaux, il doit être clair ce que vous voulez publier. Cela semble logique, mais de nombreux artistes en herbe commettent l’erreur de simplement sortir quelque chose sans plan de suivi. En fait, vous devez regarder au moins 3 célibataires à venir. De quel style sera-t-il et sera-t-il assorti ? Quelle est une bonne stratégie de sortie, quel est le premier single ?

Ne sortez pas trop tôt, si vous n’avez pas encore compris quel est votre « ADN musical », il vaut mieux attendre un peu plus longtemps et continuer à écrire. Le monde attendra.

Ta marque

En plus de la musique, vous ou le groupe êtes « la marque » de votre musique. De nos jours, en tant que personnalité, en particulier sur les réseaux sociaux, vous comptez beaucoup dans le facteur de votre succès. Soyez donc présent sur Instagram, Facebook, Tiktok etc. Assurez-vous de publier régulièrement du contenu pertinent. Essayez différentes choses et voyez comment votre public réagit. Si vous savez ce qui fonctionne bien, développez-le davantage et profitez-en.

Pensez également à votre apparence en combinaison avec la musique que vous souhaitez diffuser. Si vous sortez des chansons très « douces » et « vulnérables », vous pouvez ajuster votre image en conséquence ; pensez au style vestimentaire, aux textes que vous publiez sur les réseaux sociaux, à la palette de couleurs que vous utilisez sur votre site Web, aux filtres que vous jetez sur vos photos. Pour ainsi dire, vous devez créer votre propre identité d’entreprise. Idéalement, les gens reconnaîtront votre image de marque avant de la voir réellement sur votre page.

Spectacle en live

Le spectacle vivant est très important pour attirer un public. Après tout, une fois que vous aurez eu plusieurs sorties (réussies) et obtenu vos fans, ils viendront probablement regarder votre émission en direct. Une émission en direct est une expérience complètement différente pour un fan que l’écoute d’une production serrée sur une plateforme de streaming. Si le spectacle en direct n’est pas intéressant, serré et excitant, le fan peut même abandonner à cause de la déception.

Avec le spectacle en direct, il y a plusieurs aspects auxquels vous devez penser :

– Groupe live ou acte de bande ?

– Set list, ordre des chansons

– Lumière et par exemple pyrotechnie

– Marchandise

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L’une des choses que vous ferez en tant qu’auteur-compositeur à la Wisseloord Academy est la tête d’affiche. Le toplining est une façon d’écrire dans laquelle l’auteur-compositeur conçoit les lignes vocales sur une production de démonstration pré-faite. C’est ce qui se fait le plus dans la scène EDM.

De nombreux DJ produisent leurs nouveaux morceaux avant qu’il n’y ait un crochet ou une mélodie. Lorsque la base d’une telle production est en place, ils l’envoient aux auteurs-compositeurs pour qu’ils proposent une première ligne. Celle-ci est souvent accompagnée d’un briefing.

Il est extrêmement important de faire des recherches avant d’écrire. Par exemple, écoutez d’abord les morceaux de référence et les dernières sorties du DJ concerné. Il y a plusieurs points importants à considérer lors de la création de la topline.

Paroles

Lorsque vous écoutez les exemples, regardez bien comment le texte est assemblé. Est-ce beaucoup de mots ou très peu ? L’histoire reste-t-elle un peu en surface, ou va-t-elle vraiment en profondeur ? Y a-t-il beaucoup de mots « faciles » utilisés ou entendez-vous régulièrement des mots « inconnus » et « plus difficiles » ? Les clichés sont-ils nombreux ou l’artiste essaie-t-il de les éviter le plus possible ?

Mélodies

Essayez également de découvrir quel genre de mélodies sont couramment utilisées dans sa musique. Les intervalles utilisés sont-ils petits ou grands ? Le rythme est-il rapide ou lent ? Les notes durent-elles longtemps ou se terminent-elles rapidement ?

Chant et production

L’écriture de la topline peut être très bonne en soi, mais si le choix dans le chant et la production de celui-ci n’est pas le bon, il est possible que la topline soit toujours rejetée. Faites donc très attention à cela aussi. L’artiste utilise-t-il presque toujours des voix féminines ? Ensuite, il y a peu de chance qu’un chanteur masculin fasse le cut, à moins bien sûr d’une demande expresse. Regardez aussi quel type de « gamme » le chanteur utilise beaucoup, alors le chanteur chante-t-il très haut ou très bas ?

La production du chant est le dernier point important. Les topliners sont censés produire les voix eux-mêmes. Il est donc important de vérifier si l’artiste aime les voix « propres » ou s’il souhaite qu’elles soient fortement modifiées. Passez beaucoup de temps sur cette production, votre topline peut être tellement bonne, si votre production n’est pas au top niveau, ça ne marchera pas.

Si on vous demande de créer une topline, assurez-vous de soumettre votre topline rapidement. Le credo « mieux hier qu’aujourd’hui » revient souvent. Les briefings Topline sont envoyés à plusieurs topliners en même temps. Si vous n’agissez pas assez vite, il y a de fortes chances que cette opportunité vous passe à côté. Alors, travaillez efficacement et rapidement ! Entraînez régulièrement votre toplining et votre production ; pour que lorsque vous pouvez enfin vous lancer, vous soyez immédiatement prêt !

Pour en savoir plus sur l’écriture de chansons et sur la manière d’améliorer le processus de développement, de création et d’amélioration de la musique enregistrée, visitez notre page de base de connaissances sur Songwriting Education.