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Molti cantautori e produttori spesso incontrano lo stesso problema durante il loro processo di pratica durante un corso o un’educazione musicale. Vorremmo tutti avere l’ultimo successo mondiale su Spotify pronto domani, ma la realtà è che non funziona così. Le persone creative desiderano progressi rapidamente, ma il problema più grande è che spesso richiedono tempo e attenzione. Una forma costante di pratica è il miglior percorso da intraprendere verso la meta del successo. Abituarsi e imparare nuovi ritmi e abitudini è essenziale, ma aiuta anche creare uno schema realistico di aspettative. Alla Wisseloord Academy ti guidiamo attraverso l’intero processo di pratica in un modo che ti si addice e in modo personale.

IMPARARE NUOVE ABITUDINI

Se vuoi migliorare nella scrittura di canzoni e/o nella produzione, c’è solo una cosa da fare; esercitati, chiedi feedback e lavora sodo. Tuttavia, la maggior parte delle persone che lavorano nella musica ha un programma di vita irregolare. Molti musicisti, soprattutto all’inizio della loro carriera, hanno ancora un lavoro oltre alla musica per vivere. La pratica delle loro capacità creative può quindi a volte mancare. L’unico modo per gestirlo è fare accordi duri con te stesso; pianifica i tuoi momenti di pratica ogni settimana e non deviare da questo programma. Non appena inizi a pianificare anziché lavorare sulla tua musica in maniera casuale, vedrai che lavorerai più ore e di conseguenza le tue prestazioni e i tuoi progressi miglioreranno.

CONTROLLA I TUOI PROGRESSI

È un’abitudine dei musicisti cercare il confronto con i loro eroi musicali. Spesso queste sono anche le persone che hanno suscitato il tuo interesse nel fare musica. Va bene tirarti su fino a questo o confrontarti con esso, ma non dimenticare che può essere un’inibizione per il tuo stesso processo. Molte persone perdono la motivazione dopo aver fatto costantemente lo stesso confronto e giungere alla stessa conclusione: “Non sono ancora a quel livello”. Ciò che dimenticano, tuttavia, è guardare indietro a quali passi sono già stati compiuti. Vai e confronta il tuo lavoro di tre anni fa con il lavoro che stai facendo ora. Probabilmente noterai che ci sono grandi progressi in questo. Fare carriera nella musica è spesso una lunga strada, quindi di tanto in tanto apprezza i passi che hai già fatto. Vedrai che questo fa miracoli per la tua motivazione.

Una delle parti più importanti della configurazione del tuo studio è, oltre all’acustica, un buon set di monitor. Stai facendo del tuo meglio per rendere la tua produzione o mixare il suono nel miglior modo possibile. Hai investito molto in un laptop elegante, un’interfaccia costosa, ogni plug-in immaginabile e un buon microfono. La parte finale della tua catena, i tuoi monitor, dovrebbero avere la stessa importanza. Senza una rappresentazione accurata non puoi prendere decisioni affidabili sul tuo mix.

I monitor da studio sono fondamentalmente diversi dagli altoparlanti consumer. Quegli altoparlanti spesso hanno una spinta nella fascia bassa e alta per far sembrare tutto più “potente”.

Nel tuo studio è qualcosa che vuoi evitare a tutti i costi. Vuoi che i tuoi monitor abbiano una rappresentazione onesta e piatta di ciò che stai facendo. Una risposta piatta potrebbe non sembrare così sexy, ma farà sì che il tuo mix si traduca meglio in altri mezzi.

PIATTO È MIGLIORE

L’udito umano va da circa 20Hz a 20Khz. Man mano che invecchi, questa gamma si riduce dall’esterno verso l’interno. Un buon monitor da studio ha una risposta in frequenza da 40Hz a 20Khz.

Se dovessi tracciare un grafico della risposta in frequenza degli altoparlanti di livello consumer, probabilmente noterai un aumento delle frequenze inferiori e superiori. I monitor da studio mirano a una curva completamente piatta.

Se guardi le specifiche dei monitor da studio, spesso dirà qualcosa come “40Hz – 20Khz +/-1dB/2dB”. Ciò significa che la deviazione della risposta in frequenza può essere superiore o inferiore di 1 o 2 dB. La maggior parte dei monitor sono colorati in qualche modo, perché è estremamente difficile renderli completamente piatti. Più costoso è il monitor, minore è questa deviazione.

DA QUALI PARTI È COMPOSTO UN MONITOR?

Un monitor è costituito dalle seguenti parti:

Cabinet: l’alloggiamento del monitor. Spesso realizzato con un materiale rigido per evitare che vibri con il suono e quindi influisca sulla risposta in frequenza;

Tweeter: il driver più piccolo che riproduce le frequenze più alte del tuo monitor;

Woofer: il driver più grande che riproduce le frequenze più basse del tuo monitor;

Porta bass reflex: alcuni monitor hanno un’apertura sul retro per far uscire la pressione dell’aria. Questo aiuta con la distribuzione dell’energia di fascia bassa per avere una migliore traduzione in quelle frequenze;

Ingresso principale: questo è un ingresso XLR, ma a volte viene aggiunto un ingresso TRS.

Altri controlli: spesso trovi un interruttore on/off, una sezione EQ dedicata (per adattare il tuo monitor al tuo spazio) e spesso una manopola del volume.

SCELTE, SCELTE, SCELTE

Probabilmente non ti sorprenderà che i prezzi dei monitor possano essere piuttosto alti. I monitor da studio più costosi possono arrivare a costare fino a 80.000€. Ciascuno. Puoi dire che c’è un bel po’ di scelta tra monitor a basso budget e quelli.

Oltre a questo puoi scegliere tra monitor attivi e passivi. I monitor passivi necessitano di un amplificatore esterno, mentre i monitor attivi hanno il proprio amplificatore interno. Per il tuo home studio ti consiglierei di procurarti un set di monitor attivi. Ridurrà parte del costo e l’amplificatore è realizzato appositamente per funzionare insieme al monitor.

Terzo e ultimo, hai la possibilità di scegliere tra monitor nearfield, midfield e farfield. In altre parole: quei monitor sono creati per distanze specifiche tra loro e l’ascoltatore. La maggior parte degli studi (casalinghi) tenderà a utilizzare monitor nearfield, perché il più delle volte l’ascoltatore è più vicino a loro.

Monitoring POSIZIONE

È importante posizionare correttamente i monitor nel proprio spazio, ma anche prestare attenzione alla posizione di monitoraggio.

Metti sempre i monitor ad almeno mezzo metro dal muro, perché i riflessi dal muro impediranno una risposta in frequenza piatta.

Posiziona i monitor separati in modo da ottenere un triangolo equilatero con i monitor e la tua testa, ciascuno dei quali è un punto di quel triangolo.

Assicurati che le tue orecchie siano all’altezza dei tweeter.

Spesso vedi persone che mettono i loro monitor su un lato solo perché sembra “cool”. Assicurati di farlo solo con monitor che sono effettivamente realizzati per questa posizione. I monitor costruiti per essere in posizione verticale avranno una risposta in frequenza completamente distorta quando vengono posizionati su un lato.

POTENZA DEI MONITOR

I monitor hanno una gamma di potenza. Più forte non significa necessariamente sempre meglio. In un piccolo spazio non avresti bisogno di un monitor con una potenza enorme.

Quando acquisti un monitor, cerca il termine SPL massimo o livelli di pressione sonora. Questo indica quanto può essere rumoroso un monitor prima che inizi a distorcere. Questo è misurato in dB. Cerca monitor tra 85 e 110 dB SPL.

Anche la sensibilità degli altoparlanti è importante. Questo ti dice qualcosa sul volume che ottieni per quella potenza. Più alto è il valore della sensibilità, più forte sarà il tuo monitor. Punta ad almeno 88 dB, ma anche meglio sopra i 100 dB.

Infine c’è il rapporto segnale/rumore, in breve S/N. Ancora una volta, più alto è, meglio è, perché ciò significa che hai un segnale più forte rispetto al rumore prodotto da un monitor.

Quando acquisti un monitor, presta attenzione alla risposta in frequenza, alla potenza e alle dimensioni. Troppo piccolo non ti aiuterà, ma troppo grande farà più male che bene in uno spazio piccolo. Tuttavia, prova ad acquistare il monitor migliore possibile entro il tuo budget. È un acquisto che ti servirà per molti anni, quindi è bene guardare avanti. Conceditelo una volta ogni tanto.

Potrebbe sembrare ovvio, ma è bene rendersi conto che la scelta del microfono ha un impatto enorme sulla registrazione. Se conosci le caratteristiche di ogni tipo di microfono, puoi prendere la decisione giusta per qualsiasi registrazione.

COME FUNZIONA UN MICROFONO?

In sostanza ogni microfono è un trasduttore. Un trasduttore è un dispositivo elettrico che trasforma l’energia da una forma all’altra. In questo caso il microfono trasforma il suono ( energia acustica) in un segnale audio (energia elettrica).

Come forse saprai, il suono non è altro che un cambiamento nella pressione dell’aria. L’unico componente che tutti i microfoni hanno in comune è il diaframma. Quando il suono colpisce il diaframma vibra e quella vibrazione si trasforma in un segnale elettrico.

Questa conoscenza di base della fisica è tutto ciò che devi sapere come musicista, cantante o produttore principiante.

I DIFFERENTI TIPI DI MICROFONO

La scelta del microfono è apparentemente infinita. Ognuno ha le sue caratteristiche. Eppure rientrano tutti nelle stesse tre categorie.

• Microfoni dinamici
• Microfoni a condensatore
• Microfoni a nastro

Microfoni dinamici

Se pensi a un microfono, probabilmente stai pensando all’archetipo di ogni microfono: l’SM58. Quel microfono è un così buon esempio che probabilmente tutti ne hanno visto uno ad un certo punto della loro vita. Un microfono dinamico è il tipo più comune di microfono. Sono relativamente economici e possono essere utilizzati sia in studio che dal vivo. Sono robusti e durevoli in tutti i tipi di situazioni.

Sono anche meno sensibili di un microfono a condensatore. Raccolgono meno dettagli e sono quindi più utilizzati in ambienti live che in studio. Eppure hanno la loro utilità anche lì.

Microfoni a condensatore

Il microfono a condensatore è il microfono ideale in ogni studio. Sono microfoni sensibili, ideali per catturare ogni minimo dettaglio. Per questo esatto motivo probabilmente ti asterresti dall’usare un microfono a condensatore su un palco, perché creerà abbastanza facilmente feedback.

Ci sono microfoni a condensatore a diaframma grande e piccolo. Un condensatore a diaframma piccolo viene utilizzato principalmente per catturare senza problemi le alte frequenze. Non raccoglierà molte delle frequenze più basse, il che spesso può essere un vantaggio per l’occasione giusta.

Un grande microfono a condensatore raccoglie l’intera gamma di frequenze, il che spesso è un vantaggio, ma a volte non lo è.

Ogni microfono a condensatore ha bisogno di +48v (alimentazione phantom) per funzionare.

Microfoni a nastro

Quest’ultima categoria di microfoni è usata meno comunemente, ma ha comunque un uso e dei punti di forza. I microfoni a nastro sono relativamente costosi e molto fragili. In parole povere: dove i microfoni a condensatore sfruttano l’alimentazione phantom, danneggerai un microfono a nastro se ci passi +48v.

Il nome microfoni a nastro deriva da un nastro metallico sospeso in un campo magnetico. Questo nastro è il trasduttore che trasforma un suono in un segnale elettrico.

I microfoni a nastro di solito sono un po’ meno brillanti dei microfoni a condensatore, ed è per questo che sono così ambiti. Le frequenze più alte possono suonare più morbide e le registrazioni possono suonare piacevolmente calde.

Poiché non producono molto gain, i microfoni a nastro spesso hanno bisogno di un preamplificatore esterno per ottenere abbastanza volume da essi.

DIAGRAMMI POLARI

Non tutti i microfoni captano il suono allo stesso modo. Ci sono molti diversi modelli di ripresa (o meglio: modelli polari), che hanno tutti la loro utilità.

• Omni direzionale: raccoglie il suono da qualsiasi direzione in modo uniforme.
• Cardioide: raccoglie principalmente il suono dalla parte anteriore, con un leggero calo sul lato e a malapena sul retro. Se guardi il modello su un diagramma ricorderà un cuore, da cui il nome;
• Ipercardioide: simile al microfono cardioide, ma meno sensibile sui lati e sul retro;
• Super cardioide: raccoglie tanto nella parte anteriore quanto un microfono cardioide, ma con una riduzione ancora maggiore sui lati e sul retro rispetto a un microfono ipercardioide;
• Bidirezionale/figura otto: raccoglie sia dalla parte posteriore che anteriore del microfono, respingendo i lati;
• Shotgun: nome appropriato perché si punta il microfono verso una fonte per registrare solo quella, calando notevolmente il suono proveniente dai lati e dal retro. Viene spesso utilizzato nelle registrazioni all’aperto e in televisione.

RISPOSTA IN FREQUENZA

Ogni microfono ha il suo suono. È logico osservare bene la curva di risposta in frequenza di ciascun microfono prima di utilizzarlo. Un microfono può spesso integrare o diminuire un suono. Non vorrai dare a qualcuno con un suono vocale aspro un microfono brillante, perché ciò accentuerebbe solo l’area problematica.

Ci sono centinaia e centinaia di opzioni e non tutti hanno il lusso di lavorare in uno studio o di avere un grande armadio per microfoni a casa. Pertanto è bene sapere che tipo di microfono è necessario prima di acquistarne uno. Cosa vuoi registrare, in quale stanza e che suono hai in mente?

Fai una ricerca adeguata, ma ancora meglio, provali!

Non appena arrivi a un certo livello con la tua musica e vuoi che sia mixata e masterizzata, incontrerai il termine LUFS. LUFS è un modo per misurare il volume della tua musica. Se capisci questo, potresti anche capire perché devi alzare il volume quando ascolti determinati brani, anche se all’inizio non hai cambiato nulla.

LUFS è l’acronimo di “Loudness Units relative to Full Scale”. È una scala standardizzata basata su come le persone percepiscono il volume e l’energia del suono.

Questa scala viene utilizzata in tutto il mondo per ottenere un risultato coerente su TV, film, radio e servizi di streaming.

Potrebbe sembrare complicato, ma come produttore musicale potrebbe esserti utile esaminarlo.

COME I PRO

Senza che tu te ne accorga, tutta la musica e i suoni professionali che ascolti nella tua vita quotidiana vengono misurati su questa scala.

Gli ingegneri e i produttori di mastering e missaggio fanno del loro meglio per far sì che le loro tracce suonino il più coerente possibile su ogni mezzo. LUFS è uno dei criteri con cui puoi misurare la qualità della tua traccia. In questo modo un ingegnere avrà una visione migliore di come verrà tradotta la tua traccia.

Il problema più grande nell’ottenere risultati coerenti è il volume. Sembra essere più difficile ottenere lo stesso volume su ogni sistema.

Se pensi al volume, probabilmente stai pensando ai decibel, ma questa non è l’intera storia. Il volume ha principalmente a che fare con la tua percezione del suono e come l’energia di una traccia è suddivisa nello spettro di frequenza.

Poiché non tutti sono o devono essere istruiti in psicoacustica, gli scienziati hanno escogitato una scala che combina l’intensità di un segnale con la percezione umana: LUFS.

LUFS INTEGRATO

LUFS integrato, o volume integrato, ci dice qualcosa sul volume complessivo di una traccia. Prende la media per l’intera durata. Con solo i misuratori di picco e RMS della tua DAW è spesso difficile misurare il volume dell’intera traccia, poiché sia i misuratori di picco che RMS sono valori momentanei: un’istantanea. Il volume integrato ci dice qualcosa sulla traccia completa, ed è per questo motivo che film e TV, ma anche i servizi di streaming mantengono unità standardizzate di LUFS integrato.

LUFS A BREVE TERMINE

Laddove il LUFS integrato ci dice qualcosa sul volume dell’intera traccia, il LUFS a breve termine ci dice qualcosa sugli ultimi tre secondi di un file audio. È anche qualcosa a cui prestare attenzione, poiché alcuni momenti della tua traccia potrebbero essere ancora piuttosto morbidi, anche se il LUFS integrato potrebbe sembrare a posto.

LUFS MOMENTANEI

LUFS momentaneo è il valore più breve in termini di volume. Misura il volume degli ultimi 400 millisecondi di audio. Puoi confrontarlo leggermente con i misuratori di picco della tua DAW.

PERCHÉ DOVREI PREOCCUPARMI?

Con l’ascesa del CD, le etichette musicali volevano che la loro musica fosse più rumorosa di quella della concorrenza. Perché si pensava che la musica più forte suonasse meglio, ma, cosa più importante, avrebbe portato a maggiori vendite. Ha inizio così la “loudness war”.

I servizi di streaming sono riusciti a vincere nella battaglia per la traccia più rumorosa, stabilendo standard specifici di LUFS per la loro musica. Non importa quanto forte masterizzeresti una traccia, un servizio di streaming la ridurrà comunque a ciò che ritiene appropriato. Vedi anche: https://www.loudnesspenalty.com

Se capisci gli standard LUFS, capisci anche che il volume non è solo correlato al guadagno. Un buon ingegnere di mastering sa esattamente come portare la tua traccia a un livello professionale.

Tuttavia, come produttore musicale, non rimanere bloccato su questo concetto. Alla fine si tratta di far suonare alla grande la tua traccia. Se questo significa solo alzare il volume, allora perché non farlo?

Richiede una quantità sorprendentemente bassa di denaro per ottenere il tuo studio di casa a un livello più professionale. Devi principalmente investire un po’ di tempo. Spesso sembra più complicato di quanto non sia in realtà. Con una quantità relativamente piccola di regolazioni nel tuo spazio puoi fare una grossa differenza. Sia per il produttore musicale che mixa sia per il cantante che esegue registrazioni.

COS’È IL TRATTAMENTO ACUSTICO? 

Trattando la tua stanza puoi migliorare sia la qualità delle tue registrazioni che dei tuoi mix. Posizionando bass traps, assorbitori e diffusori in una stanza si ottiene una risposta più bilanciata e controllata.

ASSORBIMENTO E DIFFUSIONE

Esistono due concetti importanti nel trattamento acustico che dobbiamo conoscere per migliorare la nostra stanza.

Il primo metodo che useremo per impedire alle frequenze indesiderate di riflettere su di noi è l’assorbimento. Gli assorbitori sono pannelli realizzati con un materiale spesso che assorbono l’energia delle onde sonore. Questo è spesso dove si fa la differenza.

La diffusione fa il contrario. A proposito di intrappolare le frequenze e assorbirle, un diffusore disperde le frequenze in molte direzioni diverse.

I diffusori acustici sono realizzati con materiale duro e rigido, in diverse altezze e forme per spargere le onde sonore in direzioni apparentemente casuali.

In molti casi useresti una combinazione di entrambi per migliorare la tua acustica.

COME METTERSI AL LAVORO?

Sebbene ogni spazio sia unico, puoi comunque fare la differenza senza sapere tutto sull’acustica.

Il posto migliore per iniziare è dove troveresti le più grandi aree problematiche nella maggior parte dei casi: gli angoli.

Bass traps

La maggior parte degli angoli soffre di accumulo di frequenze di fascia bassa. Le basse frequenze si muovono più lentamente e non riflettono tanto quanto le alte frequenze.

A causa di quell’energia a bassa frequenza che si accumula negli angoli, le frequenze basse del tuo mix devono adattarsi a ciò. Spesso compensiamo questo aumentando eccessivamente le frequenze basse. Affrontando queste aree puoi migliorare notevolmente i tuoi mix.

Le bass traps sono prismi pieni di materiale di assorbimento posti negli angoli dall’alto verso il basso. Più grande è il prisma (più profondo), più efficace sarà come bass trap.

Riflessioni primarie

Il prossimo passo dell’assorbimento è trattare tutte le prime riflessioni. Le riflessioni primarie sono i primi riflessi che rimbalzano nella posizione di monitoraggio. Posizionando i pannelli acustici in questi punti, tratterai quei riflessi.

Come fai a sapere dove sono quei punti di riflessione? Di solito sono direttamente indietro, accanto e al di sopra della posizione di monitoraggio. Un metodo facile per trovarli è chiedere a qualcuno di tenere uno specchio accanto alle pareti. Se riesci a vedere il riflesso dei monitor dalla tua posizione nello specchio, si verificheranno riflessioni primarie. Posiziona lì il tuo assorbitore.

Diffusori

La diffusione è l’altro lato della medaglia. A proposito di assorbimento, i diffusori sparpaglieranno i riflessi.

Se riempissi il tuo studio di assorbitori, il tuo studio sarebbe “senza vita”. Uno spazio senza alcuna riflessione sembra innaturale. Ecco perché l’obiettivo non è eliminare completamente la tua acustica, ma controllarla.

I diffusori vengono utilizzati per disperdere i riflessi tardivi. Dato che hai già affrontato le riflessioni primarie con i tuoi assorbitori, devi affrontare le riflessioni tardive in un altro modo.

I diffusori sono realizzati in materiale rigido in diverse forme e dimensioni. Il rapporto e la forma di ciascun diffusore vengono calcolati sulla base del tuo spazio.

Un piccolo studio in casa di solito non ha bisogno di un diffusore, poiché un piccolo spazio di solito ha già troppi riflessi. Se vuoi ancora posizionare un diffusore, prova a assicurarti di risolvere già tutti i problemi con gli assorbitori.

IL FAI-DA-TE

Anche se va benissimo acquistare pannelli acustici per il tuo studio, è abbastanza facile farli, per un prezzo molto più basso. Se li acquisti, ricorda che la massa è la chiave. Schiuma acustica, cartoni di uova o pannelli poco profondi, funzionano a malapena.

Prima di iniziare a spendere tutti i tuoi soldi guadagnati duramente durante il Black Friday acquistando il plug -in perfetto che risolverà tutti i tuoi problemi o acquistando quel fantastico set di monitor, prova a considerare se non dovresti trattare prima la tua stanza. Prendi un po’  di lana di roccia, un po’ di legno e alcuni tessuti e sporcati le mani. Il risultato potrebbe sorprenderti.

La maggior parte dei produttori musicali produrrà dalla loro camera da letto, il che significa che anche tutte le loro registrazioni sono fatte lì. Come dice il famoso detto: “correggilo nel mix”, ma se invece la registrazione è già perfetta e non è necessario sistemare nulla? Ecco un paio di soluzioni facili per migliorare rapidamente la registrazione della voce a casa.

1. Registrare nel luogo sbagliato

Cerca nella tua casa la stanza con il minor numero di riflessi. Spesso sei propenso a usare la stanza più comoda, ma paga controllare un po’ meglio.

Una registrazione in una stanza con molti riflessi, come una cucina, un bagno, una camera da letto persino e con molti mobili, avrà un impatto negativo sulla qualità della tua registrazione. Prendi una camera di dimensioni medio-piccole con più cose possibile (tappeti, sedie, divani, eccetera). Tutte queste cose ridurranno le riflessioni e questo migliorerà notevolmente la tua registrazione. La compressione migliora solo lo spazio in cui stai registrando, quindi è una buona idea risolverlo dall’inizio. 

Un errore comune è registrare nel tuo guardaroba. Certo, tutto è meglio di niente, ma i tuoi vestiti non assorbiranno mai tutte le frequenze. Per lo più, le frequenze alte verranno assorbite, mentre le frequenze più basse e più problematiche rimbalzano dappertutto.

• Trattamento acustico

È importante rendere la tua stanza adatta alle registrazioni. Invece potrebbe essere saggio lavorare con quello che hai. Una soluzione facile ed efficace è quella di creare il tuo booth per registrare la voce. Prendi un materasso (o preferibilmente due, posizionati come la lettera V) e mettili dietro il cantante. Non posizionarli davanti a lui (quindi dietro il microfono). Contrariamente a quello che pensi, questo avrà un impatto inferiore sulla registrazione. La maggior parte dei microfoni rifiuta l’audio nella parte posteriore, quindi posizionando i materassi dietro il cantante, posizionerà il materasso lì dove sarà più efficace.

• Posizionamento dei microfoni

Non solo l’acustica della tua stanza è importante, ma anche ciò che conta è dove posizionare il tuo microfono nello spazio. Cerca di evitare il centro esatto oltre ad essere vicino alle pareti. Al centro di una stanza, il microfono raccoglierà riflessi da tutti i lati, dove chiuderà il muro che il microfono raccoglierà più frequenze medie più basse e basse. Tra il centro e i lati funzionerà bene.

Devi anche essere consapevole di come metti il tuo microfono davanti a te o al cantante. Più si avvicina il microfono al cantante, più caldo suonerà. Un buon punto di partenza è quello di mantenere circa 12 centimetri tra il cantante e il microfono. Da lì avvicinalo o allontanalo. Se ti muovi troppo lontano, la tua registrazione mancherà di frequenze basse e corpo. Naturalmente puoi anche trarre vantaggio da questo. Se ti avvicini troppo, la tua registrazione suonerà con frequenze troppo basse.

Puoi anche giocare con il posizionamento verticale del tuo microfono. Se sposti il microfono più in basso, verso il petto, otterrai una fascia bassa più prominente. Se lo sposti verso l’alto, accentuerai le frequenze più alte. Ora anche l’angolo del microfono è importante. Se allontani il microfono dal cantante, ridurrai leggermente le frequenze più basse e quindi anche la pronuncia di P e T.

• Registrare a un volume troppo alto

Cerca di mantenere sempre circa 10 dB di headroom durante la registrazione. In questo modo preverrai il clipping e quindi rovinerai la registrazione.

Cerca di non registrare neanche a un volume troppo basso, perché potresti registrare il rumore dei dispositivi che stai utilizzando.

• Esegui più di una registrazione

Anche se pensi di aver appena registrato una “take” perfetta, registrane sempre almeno alcune. Può sempre succedere che tu abbia un’imperfezione da qualche parte nella registrazione. Una S che è troppo rumorosa, problemi di tempistica, voci fuori campo e così via. In questo modo hai sempre un backup.

Suggerimento bonus: scudi microfonici

Sono venduti con la promessa di essere una soluzione per una brutta stanza, ma è meglio spendere i tuoi soldi per qualcos’altro. Non possono essere all’altezza di ciò che promettono. La maggior parte dei microfoni in studio utilizzati durante la registrazione della voce registra solo il suono dal lato anteriore. Rifiutano il suono dalla parte posteriore e da parte dei lati, ed è esattamente dove posizionare lo scudo del microfono. Puoi riempire il tuo studio con pannelli acustici fai-da-te e risolvere effettivamente alcuni problemi!

È un segreto industriale che in realtà non ci sono segreti industriali. O forse sì… Potrebbe esserci un segreto che ogni mixing engineer o produttore musicale ha nella manica. E questa persona sta usando una traccia di riferimento. Se passi così tanto tempo ad ascoltare musica è facile perdersi. Un buon modo per rinfrescare le orecchie e fare buone scelte è utilizzare una traccia di riferimento.

QUALI SONO LE TRACCE DI RIFERIMENTO?

Una traccia di riferimento è una traccia che usi per confrontare determinati elementi del tuo mix.

COME SI USA UNA TRACCIA DI RIFERIMENTO?

Il passo più importante è accostare il livello del tuo mix alla tua traccia di riferimento il più possibile. Se utilizzi una traccia di riferimento masterizzata, assicurati di utilizzare un limitatore sul tuo bus stereo per renderlo altrettanto rumoroso. Più forte suona sempre meglio, quindi questo è il primo ostacolo che dovrai affrontare.

Usa i misuratori nella tua DAW per verificare se la tua traccia ha più o meno gli stessi valori del tuo riferimento.

COSA ASCOLTARE?

Puoi usare una traccia di riferimento per confrontare praticamente qualsiasi cosa. Testi, melodia, il suono della chitarra..

In qualità di mixing engineer presta attenzione a quanto segue:

Intervallo di frequenze

Per prima cosa probabilmente confronterai la gamma di frequenze della tua traccia con quella di riferimento. Guarda entrambe le estremità dello spettro: il sub e il top. Usa le tue orecchie, ma non aver paura di usare un analizzatore di spettro o un equalizzatore per controllare se noti qualcosa.

Ascolta e cerca certe frequenze che emergono. In tal caso, torna al tuo mix e prova a trovare quegli elementi.

Dinamica

La gamma dinamica del tuo mix dipende fortemente dal tuo genere, quindi assicurati di avere una traccia di riferimento appropriata. Non confrontare le dinamiche di una traccia hiphop con una traccia pop acustica.

Usa i plug-in di misurazione per verificare come si sta comportando la tua traccia rispetto al tuo riferimento. Se necessario, torna al tuo mix.

Se continui ad andare avanti, noterai sempre più dettagli. Ad esempio, puoi ascoltare il posizionamento di determinati elementi nel campo stereo. Oppure seleziona una gamma specifica di frequenze con un equalizzatore e controlla quali elementi sono più importanti. Riproduci la tua traccia a diversi livelli di volume per ascoltare quali elementi risaltano a quale volume (sia alto che basso).

COME SCEGLIERE LA TRACCIA DI RIFERIMENTO GIUSTA

Puoi utilizzare praticamente qualsiasi traccia, purché la strumentazione e il genere siano pertinenti al tuo mix. Tuttavia è anche importante utilizzare una traccia mixata e masterizzata professionale. In questo modo baserai le tue decisioni su una qualità professionale.

Se hai bisogno di rivedere un mix per un cliente, prova a usare il tuo mix come riferimento, per verificare se prendi le decisioni giuste.

Le tracce di riferimento sono utilizzate dai più grandi professionisti del settore. Prova a vederlo come un’opportunità per imparare da loro! Noterai che puoi lavorare più velocemente, meglio e in modo più intelligente.

COS’È IL GAIN STAGING?

Gain staging è semplicemente il concetto di mantenere il flusso del segnale il più pulito possibile.

Iniziamo da due termini importanti:

• Noise floor
• Headroom

Nell’era delle apparecchiature di registrazione analogiche si doveva fare i conti con il rumore, più che al giorno d’oggi. Tutte le apparecchiature audio, dai microfoni, ai compressori, ai preamplificatori e ai registratori, possono produrre qualche forma di rumore. Il viaggio consisteva nel registrare un segnale il più forte possibile, per evitare che le parti più “soft” interferissero con quel rumore. Se non ti importasse del rumore di fondo, ti ritroveresti con una registrazione molto rumorosa. Mentre sei impegnato a registrare il più forte possibile, ti imbatteresti in un secondo problema: l’headroom. L’headroom è la quantità di spazio che hai prima che un segnale venga tagliato o distorto.

Ogni mezzo di registrazione ha una quantità finita di headroom. Arriverà un momento in cui un segnale sarà troppo forte per il microfono o il preamplificatore. Vedi anche l’articolo sulla distorsione.

Nel dominio analogico l’headroom è un concetto graduale. I preamplificatori analogici e i registratori a nastro potrebbero essere portati lentamente in rosso. All’inizio si verificherebbe una leggera compressione e saturazione che suona bene. Alla fine la saturazione diventerebbe più intensa trasformandosi in una pesante distorsione.

Quando si esegue il gain staging nel dominio analogico, si tenta di mantenere ogni segnale nella catena il più possibil al di sopra del rumore di fondo senza tagliarlo.

GAIN STAGING NEL MONDO DIGITALE

Contrariamente ai vecchi tempi, il rumore di fondo è meno un problema al giorno d’oggi. La maggior parte delle apparecchiature è così silenziosa che a malapena dovrai prestarci attenzione. Se registri troppo piano, aumenta semplicemente il guadagno nella tua DAW. Probabilmente non sentirai alcun rumore.

Le attrezzature moderne hanno un headroom molto più grande, ma è comunque una cosa molto importante da tenere a mente. Laddove l’headroom analogico è una scala graduale, nel dominio digitale hai la soglia molto brusca di 0dBFS che non dovresti mai superare. Se lo fai, clipperai direttamente. Ma fino a quel punto non c’è alcuna distorsione o colorazione, quindi hai molto, molto più spazio per l’headroom.

In due punti del flusso del segnale dovresti almeno preoccuparti del gain staging, perché in questi due punti il tuo segnale passerà elementi analogici.

Per prima cosa il segnale del microfono o della linea dovrà passare il convertitore AD della tua interfaccia (convertitore da analogico a digitale). In secondo luogo, il tuo segnale finale deve lasciare la tua interfaccia attraverso il tuo DAW (convertitore digitale-analogico) per andare ai tuoi monitor o alle tue cuffie.

Pertanto è ancora importante controllare i tuoi livelli. Una buona regola pratica è mantenere una soglia di -18dBFS (o 0dBVU). In questo modo i picchi del segnale possono essere facilmente più alti senza clipping.

GAIN STAGING DEI TUOI PLUGIN

Sebbene i plug-in nella tua DAW siano tutti molto digitali, molti plug-in sono emulazioni di apparecchiature analogiche (come registratori a nastro, compressori hardware ed EQ, lo chiami). Una buona emulazione mostrerà la stessa quantità di distorsione del gemello hardware. Più forte è il segnale, maggiore sarà lo scolorimento.

Ovviamente, puoi usarlo per colorare la tua traccia, ma devi essere un po’ più conservativo. Nella tua DAW è facile impilare plug-in su plug-in su plug-in e finiresti per utilizzare molto più spazio rispetto all’utilizzo del solo hardware. Se distorcessi solo leggermente ad ogni plugin, ti ritroveresti con un segnale molto distorto alla fine, e non nel modo che vorresti.

Proprio come con i tuoi convertitori AD/DA, prova a mantenere il flusso del segnale tra i plugin a -18dBFS. Ciò ottimizzerà la struttura del guadagno e preverrà inutili distorsioni.

Se fino a questo punto non ti sei mai preso la briga di controllarlo, noterai un miglioramento immediato nei tuoi mix.

Non aver paura di abbassare un segnale. Se rende il tuo mix troppo morbido, alza il volume dei monitor!

Insieme ai compressori di EQ, sono uno degli strumenti più importanti nella produzione musicale. Puoi usarlo per diminuire la dinamica di una traccia, ma puoi anche usarlo per modellare un suono. Ma con così tanti diversi tipi di compressori, quando e dove usi quale? 

Molti plugin digitali stanno emulando le loro controparti analogiche. È importante imparare come funzionano queste unità per sapere come e quando dovresti usarle.

In parole povere ci sono cinque diversi tipi di compressori:

Compressori VCA

Compressori FET

Compressori ottici

Compressori a Mu variabile

Compressori digitali

In un precedente articolo abbiamo parlato delle basi della compressione e di come usarla. Ora andiamo un po’ più a fondo.

COMPRESSORI VCA

Un compressore VCA (o amplificatore controllato in tensione) è uno dei compressori più trasparenti. Allo stesso tempo può applicare la forma più aggressiva di riduzione del guadagno. Un compressore VCA avrà un tempo di attacco molto rapido, il che lo rende molto adatto per livellare picchi più grandi. È spesso usato su batteria, chitarre o voce. Per molti tecnici di mixaggio è anche il compressore ideale per il tuo mix bus.

Un compressore VCA ha molti controlli diversi (attacco, rilascio, threshold, knee, ratio), il che lo rende uno strumento molto versatile.

Uno dei compressori VCA più noti è il compressore SSL Bus.

COMPRESSORI FET

Un compressore a transistor ad effetto di campo utilizza, come già detto dal nome, un transistor per ridurre il segnale. Il transistor è il fratellino più economico e maneggevole del vacuum tube.

Un compressore FET ha un tempo di attacco molto veloce. Il tempo di attacco più lento su un compressore FET è spesso più veloce dell’impostazione più lenta su compressori come Variable Mu. Molte persone descrivono un compressore FET come incisivo, il che lo rende molto adatto per batteria, chitarre e voce. Questo compressore colorerà leggermente il suono in un modo molto piacevole e musicale.

Il compressore FET più noto è il LA 1176, con le famose manopole in impostazione, che gli conferiscono un suono aggressivo ma caldo.

COMPRESSORI OTTICI

I compressori ottici, noti anche come compressori opto, utilizzano una sorgente luminosa per determinare la quantità di riduzione del guadagno. Il guadagno in ingresso influisce su quanto si illuminerà una luce all’interno del compressore. Una cellula fotoconduttiva reagisce a quell’intensità e traduce quella resistenza in un segnale audio. La velocità del compressore cambia con il guadagno in ingresso.

Un compressore opto di solito non ha impostazioni di attacco o rilascio, ma ha una manopola del guadagno (per decidere quanto segnale entrerà nel compressore) e una manopola per la riduzione del picco.

Il compressore opto non è veloce come un compressore FET o VCA, ma è molto adatto per livellare una traccia (da cui il secondo nome: amplificatore di livellamento). Risponde ai segnali audio in modo molto fluido e musicale. Viene spesso utilizzato sulle voci come secondo compressore dopo un compressore FET. Qui il compressore FET controllerà i picchi e l’opto appianerà la traccia.

Il compressore opto più conosciuto è il LA2A.

COMPRESSORI A MU VARIABILE

Un compressore Mu variabile è uno dei tipi più antichi e rari di compressori. Il circuito utilizza un “vacuum tube” per comprimere il segnale. Più forte è il segnale, maggiore sarà la riduzione del guadagno applicata dal compressore. In elettronica il termine Mu sta per “guadagno”. Pertanto il compressore è anche chiamato compressore a guadagno variabile, perché non si regola la soglia, ma il guadagno in ingresso.

Un compressore Mu non ha una ratio da impostare. Più forte è il segnale in ingresso, maggiore sarà il rapporto. È molto adatto come glue compressor per livellare un’intera traccia, senza comprimere ogni singolo picco. Dà colore ed è spesso usato dagli ingegneri del mastering.

Gli esempi più noti di un compressore Variable Mu sono il Fairchild 670 e il Manley Vari-mu.

COMPRESSORI DIGITALI

Oggi non dobbiamo necessariamente affidarci alle emulazioni. Possiamo creare compressori senza copiare progetti precedenti. I compressori digitali avranno spesso tutte le impostazioni che vorresti che un compressore avesse (threshold, attack, release, knee, ratio, passa alto, side chain) e di solito suonano molto puliti. Sono ottimi tuttofare.

“Distorsione” è un termine molto usato nella produzione musicale. È un termine che potrebbe significare qualcosa in termini di tecniche di mixaggio, un effetto sonoro o flusso del segnale. Ma cos’è? Come puoi usarlo e quando dovresti evitarlo? Di quali strumenti hai bisogno e come si adatteranno al tuo flusso di lavoro?

La distorsione può significare un gran numero di cose, ma tutto si riduce allo stesso concetto. E non appena lo capirai, saprai come applicarlo alle tue produzioni.

CHE COS’È LA DISTORSIONE?

Per distorsione si intende il fenomenoche deforma un segnale audio. Il principio di distorsione più noto è il clipping. Il clipping si verifica quando un segnale è più forte di quanto un sistema possa gestire.

Il termine clipping deriva da – probabilmente l’avete indovinato – i picchi delle onde sonore che vengono tagliate quando superano il massimo previsto.

La forma più nota di clipping è quando il segnale del microfono o della linea è troppo alto per il preamplificatore o l’interfaccia. Questo produce uno sgradevole rumore. Questa è una forma di distorsione che cercherete di impedire che si verifichi, poiché il rumore che produce è indesiderabile.

Eppure i produttori e gli ingegneri del missaggio si rivolgono spesso al fratellino della distorsione: la saturazione.

Non lasciarti ingannare da tutti i nomi diversi: fuzz, overdrive, saturazione, deriva tutto dalla stessa cosa: il clipping di un’onda sonora.

QUANDO LO VUOI? E QUANDO LO VUOI EVITARE?

Gli ingegneri del suono hanno scoperto rapidamente che la distorsione può avere un effetto positivo. Potresti portare il gain in preamplificatori e dispositivi esterni analogici di alta qualità, che hanno prodotto un bel suono caldo.

Questa forma di distorsione è difficile da ricreare con apparecchiature digitali. Al giorno d’oggi c’è una pletora di plugin che lo fanno in the box.

Il clipping può suonare bene nel dominio analogico. Nel dominio digitale devi stare attento a quello che stai facendo. Quando un segnale entra nella tua interfaccia troppo alto, interrompe il tuo ADC (convertitore da analogico a digitale). Questa è una forma di distorsione che non suona bene. Viceversa accade la stessa cosa. Quando lasci che il tuo master bus raggiunga un picco superiore a 0dB, avrai un clipping nel tuo DAC (Digital-to-Analog-Converter). Anche questo suona male.

All’interno delle moderne DAW è praticamente impossibile eseguire il clip con l’elaborazione interna a 32 o 64 bit. Vale a dire, non appena il segnale passa dal dominio digitale a quello analogico, il segnale andrà in clip. Ma all’interno della tua DAW puoi aumentare il gain in quantità infinite, purché lo tiri indietro alla fine della catena.

Molti plugin hanno un guadagno ottimale per processare l’audio (vedi anche l’articolo sul Gain staging). Il superamento di tale volume potrebbe creare rumori indesiderati.

COSA FA LA SATURAZIONE?

La saturazione ha una serie di effetti: aggiunge armoniche extra, che cambieranno il suono, e comprimeranno leggermente un segnale.

Quando un segnale inizierà a tagliare, i picchi dell’onda sonora verranno tagliati.

Esempio: se ritagliate un’onda sinusoidale (un’onda pura senza armoniche) sempre più forte, alla fine vi ritroverete con qualcosa che sembra un’onda quadra. Perché i picchi sono tagliati. Più un’onda sonora è angolare (si pensi alle onde a dente di sega e triangolari, ma anche a forme d’onda più complesse), più armoniche avrà un segnale.

COME USARLO?

EQ vs saturazione

L’effetto più importante della saturazione sono le armoniche che si verificano nelle frequenze medie e alte. Saturando un suono puoi dargli più presenza in un mix. A volte è ancora meglio usare la saturazione invece dell’equalizzazione, perché aumenterai (o addirittura creerai) frequenze più alte.

Lo-fi e calore analogico

A seconda della quantità, la saturazione può distorcere un segnale in modo tale da ricordare la colorazione che si verifica con apparecchiature audio più vecchie (come nastro, vinile, ecc.).

Compressione

Se i picchi di una forma d’onda verranno ritagliati, probabilmente puoi immaginare che ciò abbia una conseguenza sulla dinamica di questa forma d’onda.

Puoi usarlo come una forma di limitazione. Qui il punto in cui il segnale viene ritagliato è simile alla soglia di un limitatore. Con la differenza che il clipping ha un effetto più udibile di un limitatore.

Colore

La saturazione ha un’enorme influenza sul suono e sul colore di una sorgente. Aggiungerà armoniche nelle frequenze medie e alte e creerà un roll-off più morbido nelle frequenze più alte e più basse.

Un ingegnere di mastering potrebbe persino usare la saturazione (anche se con movimenti molto leggeri) per rendere una traccia più forte e calda.

METTIAMOCI AL LAVORO

Non aver paura di sporcarti le mani e la traccia stessa aggiungendo saturazione. C’è un enorme mondo di colori che puoi aggiungere alle tue produzioni. Sperimenta e prova ad applicarlo ovunque ti venga in mente.